“Il blog musicale magmusic.info passa dal formato elettronico a quello tascabile, in questa raccolta di esperienze musicali, emozioni e parole corredata dalle fotografie di Zonk Volta”

• MAGMUSIC! The Annual Report 2009
• F.Avallone, L. Zanoncelli, E. Barboni.  Fotografie di Zonk Volta
• Lingua: Italiano
• Formato: Softcover, 365 pagine, 198 immagini
• B&W, recycled paper
• Price:  EUR 16,50 (shipping included!)

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L’Associazione Socio-Culturale OcchiettiNeri bandisce il Concorso Fotografico 2009 a tema per la sesta edizione del Calendario OcchiettiNeri. Le migliori fotografie saranno inserite e pubblicate nel Calendario Occhiettineri 2010.

“Gent.mo Partecipante,
è con estremo piacere che annunciamo la proclamazione dei Vincitori del Concorso Fotografico OcchiettiNeri 2009. I 13 scatti più belli e rappresentativi andranno a comporre il Calendario OcchiettiNeri 2010. Ci congratuliamo con i vincitori ma anche con tutti i partecipanti che hanno reso possibile questa competizione. Le opere giunte sono tutte di gran valore, purtroppo tra migliaia solo in 13 potevano essere le vincitrici!”
Concorso Fotografico “OcchiettiNeri”
2^ Edizione – Anno 2009

• Titolo e Tema “L´Amore”
• Formato A3 piegato, spillato al centro, fori sopra e sotto
• Tiratura 1000 copie
• Stampa Off-Set in tipografia
• Distribuito da OcchiettiNeri

I 13 vincitori e i mesi.

Copertina: Cristina Cappelletti, Firenze
Gennaio: Marta Bevacqua, Roma
Febbraio: Marino Carulli, Piossasco (TO)
Marzo: Ferdinando Piezzi, Cadoneghe (PD)
Aprile: Carina Ienco, Roma
Maggio: Basso Fiorilli, Termoli (CB)
Giugno: Simone Francesco Cusolito, Milano
Luglio: Alberto Sechi, Torre di Mosto (VE)
Agosto: Emanuele Barboni, Milano
Settembre: Eduardo Varcasia, Cassano Ionio (CS)
Ottobre: Debora Antonaci, Ponte (BN)
Novembre: Angela Trovato, Acicatena (CT)
Dicembre: Roberta Tancredi, Cosenza

Cosa fa OcchiettiNeri
L´Associazione socio-culturale OcchiettiNeri identifica diversi settori di interesse e attività:

- Antidiscriminazione, Solidarietà, Utilità Sociale.
- Culturale, Ricerca, Divulgazione
- Aggregazione Sociale e Svago.
- Ambientalista

Le iniziative organizzate nel corso degli ultimi anni sono state le seguenti:

Cultura
- Mostra-Convegno “Appunti biblio-tematici di cultura Arbereshe”
- Percorsi eno-gastronomico culturale
- Concorsi e serate di Poesia
- Pubblicazione del Florilegio 2007
- Corto-Festival OcchiettiNeri 2007
- Concorso di fotografia
- Promozione di video-clip musicali
- Istituzione della Biblioteca-Mediateca OcchiettiNeri
- Approfondimenti su luoghi, tradizioni e costumi della nostra Regione, al fine di promuovere la cultura Calabrese.
- Creazione del Portale OcchiettiNeri.it, punto di convergenza tra l´Associazione e il mondo.

Sociale
- Campagne di utilità sociale e di sensibilizzazione dell´opinione pubblica a tematiche quali l´adozione dei bambini di Chernobyl, i rischi legati alla Canicola, sostegno alle famiglie dei traumatizzati cranici.
- Calendario OcchiettiNeri (anni 2005 – 2006 – 2007 – 2008) per la raccolta fondi devoluti all´Oasi Francescana di Cosenza e al piccolo Riccardo Pio d´Avanzo, colpito dalla Sindrome di West.

Ma dove vuole arrivare la musica? Da quando esiste il Rock’n'Roll, la musica è sempre stata una creazione dei manager impresari, uomini senza scrupoli coi dollari luccicanti negli occhietti, la cui capacità principale era di conoscere approfonditamente le esigenze di intrattenimento del pubblico. Lo spettacolo musicale, ricordiamo, è sempre esistito dacchè esiste l’uomo. Ma con l’avvento delle fiere itineranti, del circo, della Commedia dell’Arte, essa non ha potuto mai esprimersi in maniera autonoma, bensì è sempre stata legata al volere degli impresari (e conseguentemente del pubblico) che cercavano di trarre profitto dalle esibizioni e (più avanti) dalla vendita di dischi.

Si sa, allora come oggi, con l’avvento dei mezzi di comunicazione di massa, la musica non ha potuto certo esprimersi in maniera autonoma, nè tantomeno i loro autori. Vi insegno una parola: “payola“. Era il termine utilizzato per indicare la “marchetta” del deejay radiofonico che riceveva per mettere in onda un disco. Il mercato discografico, da sempre, funziona così.

Ai margini del mercato sono sempre esistite realtà indipendenti, “underground”. Ma ripeto, solo ai margini.

Siamo nel 2009 e la musica fa parte come mai prima dell’intrattenimento quotidiano di ognuno di noi. Le case discografiche sono in crisi, la gente scarica illegalmente i brani e interi album dalla Rete. Come fare? Forse come in Francia, dove un recente decreto legge suggerisce (e mette in pratica, penso) il taglio della connessione ai “pirati”? Non credo. Una tale reazione sulle prime potrebbe anche rialzare i profitti del mercato, ma alla lunga i prezzi si alzerebbero (in termini di monopolio: se le sette sorelle dell’industria si accordano per alzare il prezzo di questo tipo di intrattenimento, o ti adegui o non ne godi) e il popolo troverebbe un altro escamotage per usufruire di questo bene che, ricordiamo, non è primario ma volto al tempo libero.

Ora abbiamo internet a disposizione, e possiamo dire che internet è uno strumento davvero democratico, che sa distinguere il bene dal male e il sincero dal bugiardo. Perchè, dunque, non applicare questa democrazia anche all’industria musicale? Niente pubblicità, niente promo, niente videoclip in rotazione (su questo, poi, avrei da ridire molto. Una canzone nel 2009 non esiste se non ha un clip di supporto: non si parla più di musica, bensì di video-musica): semplice ascolto da parte della comunità, che esprime il proprio parere in maniera libera e non faziosa, decretando le vendite e il volume di affari di un artista. Questa sarebbe meritocrazia. Un immenso mare di musica le cui classifiche vengono dettate dalla comunità.

E mi spingo oltre. Il prezzo della musica non andrebbe imposto. Se venissero a mancare elementi come i videoclip, le spese di produzione e promozione e tutti quegli elementi della filiera di realizzazione di un disco che, con internet, non sarebbero più necessari, l’artista avrebbe modo di ammortizzare con le prime vendite il costo vivo di registrazione in studio, per poi andare in attivo (sempre che il disco venda, e nel nostro discorso un disco vende se piace alla comunità ed è di qualità).

Questo metodo scremerebbe l’offerta di musica scadente e metterebbe sull’olimpo coloro che producono buona musica. Attenzione: artisti, non case discografiche.

Cosa significa tutto ciò? Che la musica non può cambiare il mondo, ma deve iniziare a cambiare se stessa. Via gli intermediari, via la promozione su giornali radio e tv, solo musica da proporre e da far recensire al popolo della Rete che ne decreta il successo. E tutti i ricavi all’artista. Sotto che forma? Donazione. E’ giusto che ognuno possa pagare il giusto prezzo per le proprie tasche. Se nel sistema musicale ci fosse etica, il sistema delle donazioni funzionerebbe. Ma per ora non c’è. In Italia alcuni artisti (Tormento aka Yoshy) stanno iniziando a ragionare in questi termini, proponendo i propri brani in freedownload. Se il disco piace, è giusto ricevere un compenso per lo sforzo. Sono artisti che sperano che i propri interlocutori siano persone intelligenti: non sbagliano, e sono da lodare.

La musica deve avere il giusto prezzo, ed è il prezzo che ognuno di noi dà alla musica.

Il caro Ministro Brunetta ha rotto le palle! Mi sono sudato una laurea magistrale in SCIENZE DELLO SPETTACOLO sperando di entrare in questo settore (non si parla di tv, ma di studi seri: drammaturgia, estetica, cinematografia, teatro) e a poco più di un mese dalla mia laurea TAGLIANO IL F.U.S. ! E giustificano i tagli in questa maniera!

Per essere chiari: il F.U.S. è il Fondo unico per lo Spettacolo, in sostanza finanziamenti statali erogati annualmente (e sempre meno) ad associazioni liriche, di danza, cinematografiche, teatrali e circensi.

Io che so bene di cosa si tratta, dico che MUSICA, TEATRO e DANZA di soldi ne hanno sempre presi pochi, e con anni di ritardo sulle produzioni degli spettacoli, quindi il caro Ministro HA DETTO L’ENNESIMA BOIATA.

Cosa vuoi chiudere un rubinetto senz’acqua!

Che lo dica in faccia agli attori di teatro che fanno una vita di miseria sempre in giro e con contratto a ore. Che se si rompono un braccio e restano a casa in malattia perdono i soldi del periodo di degenza.

O ai musicisti di professione.

Credete che la vita nel mondo dello Spettacolo (la “S” è d’obbligo, per distinguere il nostro argomento da quello cine (un pò) televisivo (molto) sia tutte rose e fiori? Che siano tutti Strehler, Ronconi, Verdi, Mozart? E i lavoratori dello Spettacolo non dovrebbero avere nemmeno un sindacato? Ma scherziamo? Come tutti esplicano un’ azione socialmente utile, come i tabaccai, le casalinghe e le farmacie.

Senza contare le migliaia di giovani promesse che abbandonano il mondo artistico in quanto demoralizzate dalle politiche amministrative e dalla mancanza di fondi per sostenere progetti innovativi o non.

Lo spettacolo sta morendo.

L’Italia sta affondando.

Non ho parole.

Intanto io che suono, fotografo, dipingo “in pausa pranzo” (cit.) per ritagliarmi un piccolo spazio nel settore ci sto impiegando degli anni.

Grazie di cuore.

Siamo nel 2009, Internet non è più una rete di computer che collega università statunitensi, ma è un luogo di democrazia e diffusione di contenuti. Una rivoluzione. E con questa rivoluzione in atto, è giusto che artisti, musicisti e creativi abbiano il diritto di poter diffondere il proprio materiale in maniera sicura, senza possibilità di plagio o di utilizzi non consentiti.

Questa è stata, sino ad ora, la big question in merito ai copyright sulla Rete: si mettono online i materiali (musica, blog, fotografie ecc.), ma chi mi tutela la proprietà intellettuale? Come posso garantire, di fronte ad un giudice, che quella foto o quella canzone è mia?

Da oggi esiste una vera (e garantita) forma di tutela del diritto d’autore in internet e, per giunta, non costa un euro. Safecreative è un regsitro di copyright gratuito con sede in Spagna. Registrandosi al sito, è possibile uploadare qualsiasi tipo di materiale e ottenere così un certificato di paternità dell’opera. Un certificato, ragazzi. Che emozione.

Come funziona? Niente di più semplice:  Safecreative.org mantiene una copia del tuo materiale e si fa garante della data di inserimento dell’opera nel suo registro, in modo da poter garantire un certificato che ne determini sia la paternità, sia la veridicità.

Possiamo scegliere il tipo di licenza, da quella Creative Commons (che può garantire la diffusione con alcuni diritti riservati) fino alla più ristrettiva Tutti i diritti riservati. E’ possibile permettere anche il download diretto del materiale, e per ogni opera è disponibile un banner che linka al certificato di proprietà intellettuale.

Quindi, ragazzi, non titubate a mettere online su MySpace (o, ancora meglio, su jamendo.com) le vostre canzoni, poesie, opere d’ingengno: con Safecreative sarete tutelati e certificati, una volta che invierete il materiale al sito. E ci si impiega davvero un minuto, senza lunghe code agli uffici SIAE nè mille moduli da compilare. Bye bye carta (e foreste distrutte), ora ci sono i bit che ci vengono in soccorso.

Una rivoluzione copernicana.

E’ ora di dire basta alla (conservatrice) SIAE, che non si è mai aperta all’innovazione. E’ giusto che ogni artista decida come e dove diffondere le proprie opere, e sotto quale licenza, in maniera gratuita e garantita.

Ad esempio le mie fotografie e i miei scritti, da oggi, sono coperti dalla licenza Tutti i diritti riservati. Ed è vero. C’è un certificato che lo attesta.

Se un giorno vorrò cambiare la tipologia di licenza, accederò al mio account SafeCreative e la cambierò. nulla di più semplice.

Quindi attenti, ragazzi che rubate da internet foto e musica dalla vostra agenzia di pubblicità. Da oggi potete passare guai seri se violate il copyright.

La proprietà intellettuale è un diritto inalienabile dell’essere umano, e la sua tutela, da oggi, è garantita e gratuita.

Per questo oggi è un grande giorno.

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Nota:

Il mondo si evolve e sistemi come la SIAE appartengono al passato. E’ necessaria una nuova forma sia di tutela della proprietà intellettuale (sulla carta lo Stato ti tutela, ma in pratica?) che di distribuzione dei proventi.

SIAE è collegata al sistema classico di broadcast (radio, tv, eventi) che ha ben poco a che fare con la realtà odierna di creativi e compositori. Quello che dico, in sostanza, è che insieme alla tutela delle opere è cambiata anche la metodologia di diffusione (prima radio tv ecc, ora web) dunque i proventi derivanti dall’uso commerciale andrebbero gestiti in maniera differente. Un sistema aperto come internet non può condividere con uno chiuso, mi pare chiaro.

Per la gestione dei diritti per l’uso commerciale, esistono siti web (vedi jamendo.com per la musica) che garantiscono la distribuzione libera del materiale e che garantiscono proventi (soldi veri) per l’uso commerciale delle opere.

Una piccola aggiunta: non conosco nessuno che abbia mai depositato opere in SIAE ottenendo grandi cifre per i diritti. Forse solo un mio amico produttore ha guadagnato qualche euro.

Quasi tutti lo fanno per tutelarsi dal plagio. E forse è qui l’errore di fondo dell’Italia perchè lo Stato fa(rebbe) da garante, quindi perchè depositare? Il punto è: come posso dimostrare di essere l’autore di quest’opera di fronte ad un giudice? Se non ho certificati che lo attestano,  la mia parola contro la tua. Con Safecrative ci si tutela in questo senso.

Qui si parla di tutelare i giovani ai quali non interessa fare soldi con la musica, ma solo diffonderla in maniera giusta e corretta sui nuovi media.

Qui si parla degli anni novanta, non di Hit That. Quello che è stato fatto dopo l’album Americana, chiunque lo sa, è stato fatto con uno spirito diverso. Americana rappresenta il passaggio, tra gli Offspring giovani, veloci ed incazzati a quelli più mainstream e pop-punk. Ciò nonostante, resta un buon album. Smash, Ixnay on The Hombre, Offspring. I primi tre album “veri” hanno segnato una generazione che usciva dagli anni ottanta senza punti di riferimento. Per chi aveva qualcosa da dire, esisteva solo il punk ed il grunge. Rabbia, tanta, in connubio con tematiche sociali e distruttive. Ma anche spensieratezza e spasso su ritmiche ska.

Dal ’94 al ’97 tutto quello che veniva messo in musica veniva urlato. Perché i sentimenti dei giovani in quegli anni non avevano vie di mezzo. Peccato che tutta questa ribellione non abbia portato ad un vero cambiamento sociale, penso io.

Ma arriviamo al concerto. Big ups! per Dexter Holland, negli Offspring da venticinque anni. Ero abituato a vederlo ultimamente su Mtv piuttosto tonico. Bene, fisicamente ha perso molto. Ma non voglio parlare della sua dieta, bensì della sua voce, chirurgica come un bisturi anche in questa performance. Ricordo che l’album Smash mi colpì per l’altezza melodica del cantato. Una caratteristica unica di questa band, che è riuscita a scatenare l’Alcatraz anche in questa occasione.

Certo, i volumi non andavano. Continuo a sostenere che a Milano il miglior locale dove realizzare concerti punk resta il MusicDrome. L’Alcatraz sui volumi alti rimbomba, ha una certa allergia alle chitarre distorte e ha un’acustica pessima per il genere, che necessita di rimbalzi più ariosi e limpidi.

Dunque come non saltare, nonostante il suono non ottimale, su Come Out and Play (Keep ‘em Separated) o su Walla Walla? Impossibile. Come impossibile non emozionarsi su un Gone Away solo voce e piano. Un’ora e un quarto di classici punk, veri e propri manifesti programmatici. Intermezzati dai classici di seconda generazione, come Why Don’t You Get a Job? e Pretty Fly (for a white guy). Ma degli ultimi dischi non bisogna certo buttare via tutto. Want you bad è un capolavoro, e la chiusura (prima del bis) con The kids aren’t alright è la ciliegina sulla torta (suonata addirittura con tre chitarre).

Ma i veri Offspring li ho sentiti su All I want, Americana e Have you ever. Energia pura. Unico rimpianto? Non aver sentito The Meaning of life che, personalmente considero il masterpiece della loro carriera. Riassumendo, una scaletta proporzionata che comprendeva classici e nuove hit suonata molto bene, con una voce alta che ha tenuto e un’acustica non all’altezza. Qualche base, forse di troppo, e un Intermission simpatico.

La chiusura con Self Esteem è un’epifania.

Il tempo si ferma, torna indietro a quindici anni fa. Mi guardo attorno, ed il pubblico sembra composto dai miei compagni di liceo del tempo.

Guardo i miei vestiti e vedo che indosso una maglia del Che ed una kefia. Non ho più il cellulare in tasca e i miei pantaloni sono più larghi di tre misure.

Flashback.

Sento nel profondo che la loro musica qualcosa ha cambiato, e che brani del genere non invecchieranno mai.

—

Ad aprire i Broadway Calls, già sentiti a Milano qualche mese fa con gli Alkaline Trio. Un trio carismatico, che prende spunto tanto dai Ramones quanto dai Greenday. Un pop-punk fatto di chitarre stoppate e liriche orecchiabili. Non male, ma niente di speciale. Un appunto: vedere cantante e bassista che smontano ampli e microfoni dopo l’esibizione non ha avuto prezzo. Questo significa, per una volta, avere a che fare con musicisti seri, modesti ma soprattutto veri. Complimenti.

Articolo e foto di Emanuele Barboni

Mi spiego meglio.

L’umanità ha vissuto migliaia di anni senza quelle forme di intrattenimento tipiche del nostro secolo, il novecento, le cui radici storiche e tecniche derivano dall’ultima rivoluzione industriale. In tutto questo meccanismo, il capitalismo dell’intrattenimento ha fallito. Certamente, una forma di capitalismo commerciale è sempre esistita sin dagli albori dell’intelligenza umana, è ovvio. E’ ovvio che da sempre esistono i commercianti, coloro che acquistano (o producono da sè) e rivendono. Ma il settore dell’intrattenimento del Novecento ha progressivamente messo in oscuro i suoi buoni propositi (mi permetto di pensare: “godete del vostro tempo libero in maniera migliore e più soddisfacente”).

Siamo davvero certi che la qualità del nostro tempo libero sia migliorata in confronto anche a solo cinquant’anni fa?

Siamo certi che la tecnologia semplifichi per davvero la nostra esistenza?

Come sempre, in certi quesiti non esistono mezze misure.

Immagino il tempo libero di solo cento anni fa. Teatro, cinema e letteratura. Passatempi genuini. In compagnia, una birra dopo il lavoro, al bar sotto casa.

Non per nulla le statistiche parlano chiaro: l’industria dell’intrattenimento nel ventesimo secolo è in continua crescita. Annualmente ci torviamo di fronte a nuovi strabilianti prototipi di consolle, lettori dvd, strumenti cinematogradici (3d, 4d), portabilità musicale.

Queste innovazioni portano ad un sempre più profondo, realistico intrattenimento individuale. Ripeto, individuale. Si lavora forse per creare forme di aggregazione ed intrattenimento collettivo? Penso al calcio. Tra qualche anno esisteranno si gli stadi, ma non avranno posti a sedere. Così come la sala di teatro, quella del cinematografo. Negli anni ’50 la tv ha ricollocato il nucleo collettivo dalla piazza entro le mure domestiche, e come in un domino senza fine anche tutte le successive tecnologie di intrattenimento moderne.

Ad oggi, restano davvero pochi gli esperimenti tecnologici che tendono alla realizzazione e ad un mantenimento di un tempo collettivo.

Vorrà forse dire che, tra cinquant’anni, la tecnologia entrerà talmente tanto nel nostro quotidiano da costringerci, dopo il lavoro, in una sorta di loculo iper tecnologico che ci permetterà edonisticamente di relizzare ogni desiderio di intrattenimento psico fisico? Una sorta di camera dello sfogo?

Il tempo libero è da considerarsi di vitale importanza per l’intera società, questo è indubbio. E’ il tempo che l’uomo dedica alla riflessione e allo svago, ma nulla toglie che alcuni fattori interni al sociale stiano minando l’entità su base giornaliera di questo fenomeno. Si lavora sempre più, e si è di conseguenza costretti ad individualizzare il momento di svago.

Ma facciamo un passo indietro, per osservare il fenomeno da un punto di vista macroscopico. L’intrattenimento duemila anni fa consisteva in nuclei che andavano dal più piccolo, la famiglia con la lettura in casa ad alta voce, al più grande nelle arene per gli spettacoli circensi, di teatro e delle fiere.

Ora tutto questo è logisticamente impossibile per i due fattori sopraelencati: la mancanza di tempo e l’individualizzazione della sfera ludica che da collettiva diviene personale.

Dico questo perchè, in fondo, la teoria che esigo esporre è questa: data l’importanza socio psicologica del tempo libero all’interno di una moderna società, la tecnologia ha messo in essere un processo che tende ad una totale individualizzazione dello svago nell’arco del (sempre meno) tempo libero. Questo porterà, verosimilmente, a due strade. La completa individualizzazione della materia in oggetto, o un repentino ritorno alle dinamiche pre industriali, che vedevano una partecipazione collettiva nell’utilizzazione del tempo libero. Ai personal (e lo dice la parola stessa) computer verranno sostituiti, se l’uomo sarà in grado di riconoscere questa maligna tendenza della tecnologia, le dinamiche pre industriali dell’incontro al bar sotto casa. Ad una ghettizzazione tecnologica verranno sostituiti metodi di apertura e convivenza sociale presi dai tempi passati.

Ne sono esempio gli eventi musicali che, assieme a quelli sportivi, sono occasione di incontro e condivisione del tempo libero. Bene, essi negli ultimi anni portano in essere fatturati sempre maggiori.

La gente ha bisogno, e si parla di una necessità primordiale, di stare insieme, senza troppi fronzoli tecnologici, e se ne sta accorgendo, determinando un’inversione di marcia.

Non decreto, in questa scrittura, che l’individualizzazione del tempo libero verrà immediatamente spazzata via da metodi aggregativi rurali o antichi, ma sottolineo che quella appena espressa è una tendenza che certamente permetterà di verificare nel breve periodo una flessione dell’apporto tecnologico nel tempo libero, a favore di più genuine forme di intrattenimento.

Ma sgomitoliamo le idee in senso cronologico.

Ci troviamo nel bel mezzo di una tempesta, mentre in data venerdì 24 luglio 2009 ci dirigiamo verso lo Spazio Carroponte di Sesto San Giovanni (inciso, doverosissimo inciso: un plauso al Comune di Sesto. Avete fatto più concerti voi a luglio che il MazdaPalace in un anno. E li avete fatti bene, con prezzi accessibili e in uno spazio, il Carroponte appunto, davvero suggestivo) coi tergi a manetta e la strada completamente allagata. Mancano pochi minuti alle ventuno e trenta e tutto fa pensare al peggio. Il cielo è nero e l’acqua scende a secchiate. Attimi di sconforto. Le Pornoriviste e i Punkreas, stasera. Non li vedo da una vita, e più che un tuffo nel passato viste le condizioni meteo mi pare di fare un tuffo dalle rive del Po.

Poi, nell’arco di venti minuti, tutto cambia. Il cielo si rasserena e l’area, sino a poco prima deserta, inizia a popolarsi di personaggi squisitamente underground. Di gente ce n’è: viste le prospettive, è quasi un miracolo.

Il concerto ha inizio.

Le Pornoriviste mi fanno tornare ai miei diciotto con pezzi storici, in primis “Come piace a me”, colonna sonora delle mie fregature amorose tardoadolescenziali. I quattro si muovono bene e tirano in mezzo, anche se il lead singer pare provato dalle sfighe dovute al tempo. Come non capirlo. Bravi, motivati per essere una band che calca i palchi, e non scherzo, dal 1994. Quest’anno sono quindici. Loro sono cresciuti, tutti siamo cresciuti, ma i loro pezzi hanno ancora un senso, sia sociale che personale, e questo qualcosa vorrà significare.

Ma è tempo degli headliner. Anche qui si parla di leggende del punk rock Made in Italy. Forse il gruppo punk più famoso della Penisola. Quanti ricordi. “Disonora lo Stato, e brucia la bandiera” (da “Tutti in pista”) è stata la prima frase di ribellione pronunciata da centinaia di ragazzini che facevano il liceo negli anni novanta. Chiaramente, me compreso. Ho ancora la cassetta in macchina. In fondo, chi c’era? Ve lo dico io: Shandon, Vallanzaska, Pornoriviste, Punkreas e poco altro. Mica come adesso, che ogni due giorni si grida al nuovo, piastrato e truccato fenomeno punk.

Altri tempi.

Altre teste.

Cosa posso provare, dunque, ascoltando i brani storici di “Paranoia e Potere“, “90-93” ecc?

Tanta speranza, che le cose cambino in meglio. Loro, di certo, sono dei professionisti. Tengono il palco benone, e continuano a fare quello che hanno sempre fatto: protesta ma col sorriso. Il pubblico, però, non è più lo stesso. Forse è meno ricettivo, ma comunque fa il suo “sporco lavoro” sul palco. Body surfing e pogo, come ai vecchi tempi, solo meno incazzati.

Il concerto si conclude con “Acà Toro“. Non potevo chiedere di meglio.

Gli anni passano, ma i ricordi, se puri, restano.

Il Carrockponte Festival si chiude domani, coi Dogo. Un vero successo: nemmeno la tempesta perfetta ha messo in difficoltà l’organizzazione di questo (bell’) evento. E, ragazzi, che impianto! Aspettiamo tutti la prossima edizione, che si prospetta (visto il precedente) davvero da non perdere.

Articolo e foto di Emanuele Barboni

Ognuno di noi ha ascoltato o sentito almeno una volta questo brano. Forse una delle canzoni più belle della musica moderna, aggiungerei.

Strana storia, quella degli Animals. Dal successo internazionale, al tour mondiale, dalle grandi serate tutta droga & rock’n roll, allo scioglimento, nel 1969. Da allora, nulla sarebbe più stato come prima. Certo, mille reunion da allora ad adesso, e battaglie legali per la paternità del nome a fare da contorno. Ma nel frattempo il mondo avrebbe conosciuto la voce di Eric, anima nera nel corpo mingherlino di un bianco poco più alto di un metro e sessanta. Con la sua voce e le sue canzoni, avrebbe anticipato di oltre un decennio gruppi come gli Who, i Sex Pistols, fino ai successivi cambiamenti generazionali del folk-rock. Ha influenzato anche Bob Dylan, si dice. E’ senza ombra di dubbio una delle più belle voci della storia del rock, gli è riconosciuto, se lo merita.

Oggi, nel 2009, la frangia e il caschetto non ci sono più, i capelli sono pochi e bianchi, ed il fisico mingherlino ha lasciato spazio ad un’ingombrante pancia. Ma quello che conta è che, all’età di quasi settant’anni, Eric sia ancora lì, sulla scena, questa volta in quel di Casal Maggiore, in provincia di Cremona.

Cosa spinge un uomo che ha avuto tutto dalla musica, dal successo, a riproporsi su un palco a quest’età, a far ballare ancora giovani e meno giovani sulle note di “We gotta get out of this place”, “The Night” o la super famosa “Please don’t let me be misunderstood”?

Ve lo dico io. Si tratta di attitudine. Se il mondo fosse perfetto, diciamo come lo immaginava il caro vecchio Platone, ognuno nella vita condurrebbe il percorso per cui è più portato. Se nasci cerchio non puoi morire quadrato. Ebbene, Eric è nato per cantare e stare su un palco. E’ questo quello che lo spinge a intraprendere estenuanti tour in giro per il mondo. E’ in viaggio da una vita. Certo, lui vorrebbe anche fare il regista, ed è un discreto pittore. Ma è nato per cantare, è questa la verità.

Questa sera ci ha emozionato con i suoi classici. Certo, il fisico non è più quello dei vent’anni, e la voce qualche tono l’ha perso. Una band di alto livello, per 2/4 molto giovane (vedi alla voce: batterista che non sfigurerebbe in una band punk rock e violinista sui ventisette) accompagna un’ora e un quarto di suggestione, e ad ogni acuto il pubblico si dedica in scroscianti applausi. Una standing ovation dei seicento di Casalmaggiore mette la ciliegina sulla torta dopo una “The House of the rising sun” e una “Boom Boom” da urlo.

Eric viene dal blues, tutta la musica viene dal blues.

Il Blues è lacrime, tristezza, sofferenza e redenzione, ma anche riscossa, ragione, amore.

Forse anche la vita, a questo punto mi viene da pensare, viene dal Blues.

Articolo e foto di Emanuele Barboni

Siamo stati testimoni, dicevamo, dell’indiscutibile successo di questa prima edizione, partecipando alla serata dedicata al rock duro (Pino Scotto, Kee Marcello, Heller) e a quella hip hop (Vaccaman, Ensi, Ghemon, Entics + guests).

Tre buoni motivi per parlare bene di questo festival: primo, l’opportunità di aggregazione, che di questi tempi non è cosa da poco; secondo, la scelta della location all’aperto, area di ampio respiro incorniciata da stand di tutti i tipi; terzo, la partecipazione di icone del rock italiano e straniero, del pop e dell’hip hop italiano e la scoperta di nuove leve di questi generi, che ha colorato di credibilità i tre giorni del Festival.

Il metodo è il solito: emergenti ad aprire i live di artisti più conosciuti. Niente di nuovo, direte voi. E invece no. Perchè tutto questo è stato gratis. Proprio così. Nessun prezzo di entrata, e panini e birra a prezzi modici.

Ma passiamo ai live, e lasciamo spazio alle immagini: questo video realizzato da maffialife per magmusic! riassume meglio di qualsiasi periodo lessicale le impressioni della terza ed ultima serata, dedicata all’hip hop.

E degli artisti, che dire? Brevi impressioni nelle pagelle di Magmusic!

10 luglio: serata dedicata al rock

• Pino Scotto: è lui la vera anima di questa prima serata. A sessant’anni fa ancora ballare e saltare giovani e meno giovani. Icona.
• Kee Marcello: una chitarra, un’anima. Voce ok, ma quello che combina con le dita ha dello straordinario.
• Heller: ottima performance e suoni da urlo. Energica, vivace, tenace. Peccato per l’orario di esibizione e per il conseguente poco pubblico.

12 luglio: terza e ultima serata, con artisti hip hop

• Vaccaman: sul palco è una bomba. G-nano lo appoggia, con discrezione e metodo. Suona i classici, e si permette featuring importanti (Entics). Il pubblico si scalda, e fa la fila per incontrarlo nel backstage a fine esibizione. Ormai è un’icona del rap territoriale. Non va a Trl (non ancora), ma con la gente e i fan ci sa davvero fare.
• Ensi: è il migliore nel freestyle, e si vede. Grande uomo, grande creatività. Intermezza la serata con rime da dieci e lode. Bravo.
• Ghemon, Dj Tsura feat. Mec Namara: sul palco prima di cena. Non deludono. Rime intelligenti, scusa se è poco.
• Entics/Danny/Chacka Nano: ci sa fare, proprio così. Con Denny e Chacka Nano infiamma la notte sestese con groove che prendono spunto da reggae e dancehall. Qui si salta, e alla grande. Quando affianca Vaccaman sul palco si realizza forse il climax dell’intera edizone.

foto di Emanuele Barboni per Magmusic!

Chicche dal backstage

Essere inviati (o presunti tali) a volte ti permette di vedere cose che non immagineresti mai. Nel backstage, per definizione “un mondo a parte”, si è parlato soprattutto con l’amico Mr. Vaccaman, che ci ha raccontato la sua esperienza da poco trascorsa (sia musicale che di vita) in Jamaica. Abbiamo incrociato Nora Amile e chiaccherato con la ballerina Alice Scotti, terribilmente preoccupata per l’imminente esibizione on stage con Vacca. Abbiamo visto fan felici di aver incontrato i propri beniamini, e fan che uscendo dalla porta dopo il meeting affermano “Pensavo che Vacca fosse più alto!”, e fatto ascoltare “Accendo la Marlboro” dei Club Volvinio a Pino Scotto, in un’intervista imperdibile a breve disponibile su questo sito.

Insomma, tutto quello che ci si può aspettare da un’incursione “dietro le quinte” di un Festival.

Emanuele Barboni e Luca Zanoncelli intervistano Pino Scotto.

Foto di Michele Maffia per Magmusic!

A questo punto l’unico forte desiderio è che l’anno prossimo si replichi con la seconda edizione di questo Festival, che ha tutta l’aria di diventare un appuntamento fisso per artisti di tutti i generi, pubblico e addetti ai lavori. Ringraziamo, in ultima ma non meno importante istanza, Max, Franco e tutti gli artisti che si sono resi disponibili al report di questo evento.

Articolo a cura di Francesca Avallone/Emanuele Barboni

Oggi ho conosciuto Pino Scotto.

Proprio così. Ero alla conferenza stampa per un festival a Sesto di questi giorni, e l’ho conociuto. Abbiamo parlato un pò. Ero con Zano e Zanna al telefono dalla Costa Luminosa voleva che glielo passassi.

Molti di voi lo conosceranno per le imprecazioni sui Tokio Hotel, ma quest’uomo ha fatto ben altro nella (e della) propria vita.

Quello che apprezzo di lui è la costanza. Costanza nel criticare, nel mandare a fare in culo tutti e tutto. Nel costruirsi un’immagine, certo, ma anche di saperla mantenere inalterata negli anni. Non è un eroe nazionale, nonostante sia una persona intelligente, molto intelligente. Ricordiamo che per criticare bisogna avere delle solide basi conoscitive. Bene, sulla musica lui le ha. E critica. Pare un uomo di cuore e di impulso, forever young, ma la sua barba incolta racconta si di serata alcoliche tra droga e puttane, ma anche di un uomo che si sbatte, lavora, calca i palchi un giorno si e l’altro pure. E’ faticoso, come lavoro. Lo so bene anche io, da musicista.

Avere una band è come avere una ragazza, mi ricorda mio padre. Ci sono band belle e band brutte, band con le quali godi e band che non ti eccitano. La musica è una droga, ce l’hai nel d.n.a., è una malattia ereditaria, forse.

Montare smontare fare il check aspettare la gente concordare il cachet litigare manca sempre qualcosa i batteristi si lamentano sempre fare benzina muoversi in macchina tornare alla baita alle prime ore dell’alba.

Pino Scotto fa questa vita da quasi quarant’anni.

E se lo incontrate, non fate come me: non chiedetegli come fa.

Ognuno ha i suoi segreti.

Conferenza Stampa “Fabrik Festival”, Bar Magenta, Milano.

http://www.fabrikfestival.com
© Emanuele Barboni. All rights are reserved.

Quest’uomo ha cambiato le regole del pop, e ha segnato la vita di milioni di adolescenti. E’ sin da subito diventato un’icona, un mito, una leggenda. Voglio ricordarlo così, perché quello che gli è accaduto negli ultimi anni sono affari privati, che purtroppo hanno in parte offuscato l’immagine di questo ragazzo. Lo ricorderemo in “Smooth Criminal”, con quel giro di basso stratosferico e quei passi da alieno che ognuno di noi ha imitato almeno una volta davanti allo specchio. Lo ricorderemo in “Thriller” e “Billie Jean”, con il suo chiodo rosso e quel ciuffo davanti agli occhi così caratteristico.

Micheal ha dato molto alla musica moderna, per questo è già leggenda. Al di là dei numeri (104 milioni di copie vendute di “Thriller”, record di tutti i tempi, ma anche video di maggior successo della storia), ha inventato un genere inimitabile, dove la sua voce altissima si fondeva con il rock, il soul, il pop e a passi di danza e scenografie grandiose.

Ricordiamolo così, all’apice del successo, quando eravamo bambini e ci strizzavamo le palle per imitarlo in quel suo urletto che ha fatto la storia. Ricordiamolo giovane e prima di tutte le operazioni chirurgiche, ricordiamolo prima di “Neverland” e dei guai giudiziari. Perché un uomo non può essere giudicato e crocefisso dai media per i suoi affari privati, tra le altre cose mai realmente chiariti né da sentenze né da bollettini ufficiali.

Su Facebook ognuno di noi ha voluto rendere omaggio a questo grande musicista, e qualcuno ha addirittura creato un gruppo che riflette su come in Paradiso oggi si suoni grande musica.

Immaginiamolo così, in un cielo azzurro su nuvole di panna montata, che duetta con Freddie Mercury, uno strafatto Hendrix alla chitarra, Ray Charles al pianoforte e Lennon alle seconde voci insieme a Pavarotti.

Perché è così che ti vogliamo ricordare.

Goodbye Michael

Emanuele Barboni – 2009 – Tutti i diritti riservati

Ci aspettavamo tutti un mega festival all’Idroscalo di Milano, ma alla fine ci si è ritrovati al PalaSharp (al chiuso, con un buon numero di posti in meno rispetto alla location usuale), causa problematiche con la Provincia. Iniziamo con il piede sbagliato dunque, sin dalla metà di maggio. La motivazione dello spostamento? Non la conosciamo, ma andiamo per intuizione: in quei giorni si votava, e la propaganda elettorale era al massimo della sua potenza. Caso fortuito o tragica coincidenza? Con il senno di poi possiamo dire che i disagi ci sono stati, eccome. Ho seguito il festival nel 2007, l’edizione con i NOFX, per intenderci, e seguire la medesima manifestazione nella giornata di domenica 14 giugno 2009 ha avuto riscontri contrastanti.

Superiamo i cancelli verso le 18:30 e dopo i saluti di rito all’organizzazione (Chiara, della Propaporomoz, grande estimatrice di MagMusic) iniziamo a guardarci intorno. Nell’area circostante il palazzetto tutto fila liscio: il palco sopraelevato della RedBull dove si sarebbero esibiti molti artisti “da second stage“, una miriade di stand di birre e hot dog, qualche distro indipendente. Fino a qui, tutto bene (Cit. “L’odio (La Haine)”,1995, Mathieu Kassovitz). La gente è tanta e mi soffermo sulle t-shirt dei partecipanti. Trovo estremamente interessante l’analisi dei personaggi che popolano l’universo rock. Andiamo per ordine: motociclisti tatuati fino al collo, nerds occhialuti, suicide girls, e fortunatamente sempre meno indie boys (quelli con la t-shirt a righe orizzontali rosse e nere, i jeans stretti e il Borsalino, ma il concerto di Pete Doherty era ieri). Io faccio parte di coloro che, macchina fotografica alla mano, sgomitano sotto il palco per un primo piano all’artista di turno, e che vanno estremamente fieri di quel loro pass al collo. Incontro qualche amico, nel frattempo, ma non mi dilungo perché i Lacuna Coil stanno facendo il sound-check e a breve inizierò il mio lavoro.

Entro nel palazzetto sbagliando almeno tre volte l’entrata più vicina per raggiungere il palco. Quello che mi circonda è un ambiente ostile: l’umidità fa concorrenza a quella di Bangkok in novembre, il caldo è torrido e manca l’aria. Nonostante sia abituato a climi estremi da concerto, posso dire di aver avuto almeno un paio di mancamenti durante l’arco della manifestazione.

Tempo di raggiungere il palco, di chiedere alla sicurezza due dritte, che le luci si spengono e inizia lo show degli italiani Lacuna Coil, fiore all’occhiello di quel metal tanto famoso in Europa e nel mondo (States, Germania, Est Europa) quanto snobbato in terra madre. Ragazzi, questi hanno suonato in Australia e in Italia nemmeno li conoscono! Bene, un inizio col botto si direbbe. Da musicista, mi rendo subito conto della qualità dei suoni e dell’acustica. Non capisco coloro che criticano il PalaSharp. Si sente tutto davvero bene, il suono è omogeneo (ragazzi però, la cassa della batteria era davvero troppo alta) ed il pubblico inizia a scaldarsi forte. Non conosco bene questi ragazzi, se non per sentito dire, ma all’entrata della cantante Cristina Scabbia la mia idea sulla band di Milano si fa più concreta.

La band agli albori poteva essere classificata come gothic metal, ma questa definizione non le calza proprio a pennello. Vi è stata infatti una sorta di evoluzione che li ha portati ad un sound più “pop”, con strutture melodiche di più facile ascolto. E’ questa la prima sensazione che provo ascoltando i primi brani. “Mio dio quanto sono pop!“, mi dico. Certo, sono pop per me che ascolto anche il brutal, perché bisogna dire che le chitarre si fanno sentire, belle distorte, e la voce di Andrea Ferro è davvero multiforme, passando dalla melodia “pausiniana” agli scream più atroci (nel senso buono del termine). Sarà per il binomio voce maschile/voce femminile, ma questi ragazzi mi piacciono proprio. Soprattutto: non se la menano (Fred Durst docet). Non vogliono “fare brutto” a tutti i costi, sono posati, simpaticamente attivi nel dialogo col pubblico.

Il batterista spinge, e forte, ma è preciso come un orologio in quel tipo di ritmiche lente ma inesorabili che contraddistinguono il mood della band. Lo ricordo a tutti: suonare rock lento spesso è più complesso di suonare qualcosa a 350 Bpm. Un Hurrà per Cristiano Mozzati detto Criz, insomma. La scaletta ci accompagna fino ad un culmine atteso da tutti i presenti. Cristina prende le redini della discussione: “Di questa non vi dico chi sono gli autori, dovete solo cantarla con noi!“. Già capisco. “Enjoy the silence“, Depeche Mode ( ieri live a San Siro). Un classico. Ed è una bella sensazione, perché il pubblico partecipa, canta, Cristina e i suoi sono felici, e si vede.

Big ups per i Lacuna Coil, che con il nuovo album dal titolo Shallow Life, uscito ufficialmente il 20 aprile 2009 per la Century Media, hanno conquistato pubblico e critica. E anche me.

E’ tempo di farmi una Heineken media, un paio di telefonate e di ascoltare allibito il concerto sul second stage dei Sick Tamburo. Mi soffermerei qualche riga su questi quattro ragazzi. Capisco immediatamente che il loro obiettivo non è suonare, ma far parlare di sé. Nati per 2/4 dalle non-ceneri dei Prozac+ (suonano ancora insieme), band punk salita alla ribalta delle classifiche con singoli come Acido/Acida, GM e Betty tossica, in questa nuova formazione Elisabetta si sposta dal basso alla voce e Gian Maria ricopre lo stesso ruolo di chitarrista e produttore che ha nei Prozac+. Electro rock, possiamo dire, ma la voce è da cestinare, a tratti fastidiosa, e i testi troppo avanguardistici per un pubblico come quello nostrano. Ok, parlate del vostro cane con tre zampe, del fatto che non toccheremo più i tuoi seni, ma un minimo di grazia nel cantare (possiamo utilizzare il termine sbraitare, in tal caso) e un minimo di contatto con chi vi ascolta è d’obbligo. Quei passamontagna, poi, per carità. Dopo i Kiss tutto il resto è merda. Non avete inventato nulla, o forse l’Italia (ed il sottoscritto) non è ancora pronta a tutto questo. Un consiglio, continuate con il drug punk dei Prozac+, perché le droghe (e i drogati) non passano mai di moda.

Ed arriva il momento tanto atteso. Qui si parla di leggende del crossover, mica cazzi. Qui si parla di Fred Durst, Dj Lethal e Wes Borland. Di gente che suona insieme dal 1994. Questi hanno venduto più di 50 milioni di dischi, di cui 17 milioni nei soli Stati Uniti. Qui si parla di storia.

Limp Bizkit, in reunion a Milano per un concerto che si prospetta esplosivo. Il 12 febbraio 2009 hanno annunciato il ritorno alla lineup originale, dopo quattro anni di silenzi e casini, Wes Borland compreso. La scenografia rimane nascosta fino all’ultimo, con un mega telone che raffigura in stile comics i cinque componenti della banda. Inizia lo show.

Apertura con “My Generation”, ed il pubblico si infiamma. Era tanto che vi aspettavamo. Mi trovo proprio sotto il chitarrista Wes, truccato come da abitudine da alieno/clown/aspirante omicida, a petto nudo completamente coperto di vernice bianca e simboli tribali e pantaloni di lana di capra in tinta. Uno spettacolo. Il sound è quello giusto, i pezzi sono ormai dei classici, Fred Durst un po’ sovrappeso ma iconograficamente identico a dieci anni fa (cappellino rosso, pantaloni corti loose e t-shirt nera dei Faith No More). Dj Lethal dietro alla consolle ricoperta da un bandierone tricolore. Evviva.

Il concerto scorre veloce nel caldo più estremo, il frontman afferma ironicamente “It’s so fuckin’ cold here, isn’t it?” (fa un cazzo di freddo qui, non è vero?), suda, si dimena, salta, manda a quel paese, cerca un dialogo che non arriva, e diciamola tutta: un po’ se la mena. Borland sputa acqua sulla mia Canon, che riesco con un gesto rapido a nascondere dietro la schiena. Insieme a me bagna almeno altri cinque o sei fotografi, che vista la mole della mercanzia (obbiettivi da mezzo metro cadauno) si ritrovano completamente fradici. Loro lo insultano, io sono in adorazione. La mia fotocamera è salva, benedetta da Borland in persona. Seguono i classici, da “Faith” a “Rollin’”, per chiudere con una straordinaria “Take a look around (mission impossible theme)”. La band suona bene, batterista incluso. Durst piazza un paio di lentoni a metà spettacolo, perché evidentemente non ce la fa. Ma dio santo, che show. Gli effetti di delay sul pulito di Wes sono ormai un tratto incancellabile del genere nu metal, e diciamola tutta: il mondo è pieno di emuli, la musica si è evoluta, ma questo cinque ragazzi hanno messo le basi per tutto questo, e restano i padri indiscussi del genere (Faith No More esclusi, ovviamente).

Dove eravamo rimasti? Ve lo dico io: ai Faith No More. Questo Rock in Idro (o in Pala, che dir si voglia) ha un sapore particolare perché include due importanti reunion per il panorama rock. Ebbene si, anche loro, i FNM sono tornati, e l’occasione per ascoltarli era più unica che rara. Il 26 febbraio 2009, dopo mesi e mesi di rumors, la band ha annunciato il proprio ritorno sulle scene: la notizia è stata data direttamente dal bassista Bill Gould il quale ha anche annunciato che la line-up della band sarà composta da Mike Patton alla voce, Bill Gould al basso, Mike Bordin alla batteria, Roddy Bottum alle tastiere e Jon Hudson alla chitarra. Mica male.

Mike Patton entra in scena con un elegantissimo completo argento, preceduto dal resto della formazione, tutti in tono. Entra zoppicando, con un bastone da passaggio: non capisco l’allegoria, il rimando certo a qualcosa o qualcuno, ma non importa. Ci troviamo in una scatola teatrale racchiusa da drappi rossi, Il sound è potente, come prima e più di prima, e la stima nei confronti di Patton ha diversi e molteplici punti di partenza. Da dove vogliamo iniziare? Dalla cover di “Poker Face (Chinese Arithmetic mix)” di Lady Gaga? O forse da “Evidence” cantata in italiano? O dalla romantica e jazzistica “Reunited (cover di Peaches & Herb)”? Una cosa è certa: la voce di Patton è unica, potente, impareggiabile. Lavora col microfono come una pornostar il tarello, passa dall’abisso delle tenebre alla vetta dell’Everest in un istante, utilizzando sovente un megafono per distorcerla. E lui si, che sa parlare con il pubblico. Forse perché suona dal 1982, e di concerti ne ha fatti a migliaia. O forse perché conosce l’italiano (girano voci che sia sposato con una donna del Bel Paese) e tira in mezzo band e pubblico con parolacce come “segaiolo” o “stronzo”. Uno show epico, chiuso appunto con il brano “Epic”, un ritorno importante, di quelli di cui si sentiva la mancanza.

Se ho detto che i Limp Bizkit sono i padri del nu metal, bene, i FNM sono i nonni che, nonostante l’età, sanno ancora dettar legge nel panorama mondiale.

Articolo e foto di Emanuele Barboni

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Iniziamo col dire che sono nato e cresciuto, musicalmente parlando, con il punk rock. Prima Greenday, dal celeberrimo Kerplunk in su, fino diciamo a Nimrod. Poi sono arrivati i Blink, con Buddha e Chersire Cat, e fu amore a prima vista. In quegli anni (1999-2004) suonavo in una band Hardcore Punk, i Togaparty, come chitarrista. Abbiamo suonato un po’ ovunque, nel nord Italia e in Svizzera.

Bene, per uno come me, che ha il ritmo hc nel cuore, è molto difficile scrivere un articolo su una band come i Fall Out Boy, visti e fotografati al Palasharp di Milano in data 15 marzo 2009.

I rimandi ai miei gruppi preferiti del genere mi confondono, e non poco. Undeclinable Ambuscade, Millencolin, The Ataris, Nofx. Lo chiamavamo punk, ma forse era già qualcosa di diverso, in evoluzione. Perchè forse di genere dalla radice punk si può ancora parlare, in quanto l’hardcore è ancora molto operativo sulle scene, ma il punk più melodico si è gradualmente evoluto con il passare delle primavere in emo-punk, o, per meglio dire, pop-punk. Un punk più popolare, melodico, che prende sovente ritmiche dalla dance music e che che non rinnega parti, solitamente bridge veloci, elettroniche. Cori orecchiabili, liriche mai di protesta ma a tematica adolescenziale per (quasi) tutte le band, che vedono in Mtv il loro bacino d’utenza preferenziale: giovani, giovani, molto giovani.

A mio parere (caricate le frecce all’arco, sono pronto) la vera svolta, il disco che ha messo la parola inizio al pop punk per come lo conosciamo è “Blue Skies, Broken Hearts…Next 12 Exits” degli statunitensi The Ataris, uscito negli States il 13 Aprile 1999, esattamente dieci anni fa. Fu una rivoluzione: per le tematiche affrontate, cronache di un loser innamorato, per le chitarre, che potenti vengono sollevate da ottave sopra della seconda chitarra, per la sezione ritmica, meno eccessiva rispetto a band come Nofx e Millencolin. Fu il primo passo verso il punk popolare, ascoltabile dalle masse. Oggi lo chiameremmo mainstream. Forse Kris Roe non lo sapeva, ma aveva iniziato qualcosa di veramente nuovo, solo accennato da altre band, ma contestualizzato alla perfezione in Blue Skies.

Ora, detto questo, mi ritrovo a scrivere dei Fall Out Boy, band che rientra a diritto nella Nouvelle vague del pop- punk. La seconda generazione, per intenderci.

Lo show inizia sul presto, alle nove meno un quarto. Il pubblico è giovane, giovanissimo, e la platea si divide nettamente in tre grandi gruppi divisi per età anagrafica. Nelle prime dieci, quindici file, giovani scatenati dai 13 ai 18 anni, nelle successive dieci ventenni e trentenni nostalgici (me) e in fondo al Palasharp genitori che aspettano i figli. Fin qui tutto bene. Il palazzetto non è sold-out, ma è bello pieno.

La gente è carica e quando ha inizio lo show, con una energica Disloyal Order Of Water Buffaloes e la seguente Thriller. La voce c’è, eccome, i volumi sono ok e l’energia inizia a coinvolgere la massa, con pezzi indiscutibilmente forti e, soprattutto, ballabilissimi (vedi: la cover di American Boy di Estelle, molto difficile da cantare vista la tonalità, e Beat it di MJ, the King of Pop). Giochi di luce e arcobaleni colorati illuminano la scena, dove Joe Trohman, chitarrista sosia statunitense del nostrano Caparezza, si prodiga in assoli notevoli e sempre a tempo. Il vero leader, dispiace ammetterlo, è il bassista Pete Wentz, preciso in ogni dove, coinvolgente con il pubblico e vera star della serata (oltre che autore della maggior parte delle canzoni della band). Ad un certo punto qualcuno lancia una bottiglia sul palco, e lui un po’ incazzato dice che ci si può divertire anche senza lanci di bottiglie. Un insulto va a tutti quei coglioni che spendono trentaquattro euro per andare a lanciare oggetti contundenti sul palco. Ragazzi, datevi all’ippica.

In ogni caso, lo show procede in maniera lineare, con i classici Sugar, We’re Going Down e This Ain’t a Scene, It’s An Arms Race prima e poi I Slept With Someone In Fall Out Boy And All I Got Was This Stupid Song Written About Me e Where Is Your Boy Tonight più tardi quando lo show volge quasi al termine.

Tecnicamente bravi, coinvolgenti, semplici ma d’impatto. Non so se questi FOB hanno davvero meritato quei 13 premi internazionali in tre anni (tra cui nel 2007 l’ MTV video music awards- miglior gruppo) e quelle diciassette nomination ad altrettanti premi internazionali tra il 2005 e il 2007, ma bisogna dire che ci sanno fare, eccome. Anche sul palco. Forse sono un po’ pochi settanta minuti di musica, ma ehi, qui si parla di punk, e i pezzi sono davvero brevi e tirati, lo sanno tutti.

Tornando alle origini, mi fa molto effetto vedere come band di punta come i FOB from Illinois si sino ispirate ai gruppi citati ad inizio articolo. Essi sono la naturale evoluzione del punk melodico, che lo si voglia o no. La Mtv generation dimostra di apprezzare, ed è quindi giusto lasciare spazio ai giovani e a nuovi gusti musicali, forse meticci, ma certo non privi di identità.

Scaletta: Disloyal Order Of Water Buffaloes, Thriller, A Little Less 16 Candles, A Little More Touch Me, American Boy, Sugar, We’re Going Down, This Ain’t a Scene, It’s An Arms Race, I Don’t Care, Beat It, HeadFirst Slide Into Cooperstown On A Bad Bet, Me & You, She’s My Winona, I Slept With Someone In Fall Out Boy And All I Got Was This Stupid Song Written About Me, Where Is Your Boy Tonight, America’s Suitehearts, Thnks Fr Th Mmrs, Dance, Dance, Saturday.

Galleria fotografica: http://www.flickr.com/photos/emanuelebarboni/sets/72157615323003793/show/

Articolo e foto di Emanuele Barboni

E’ stato l’eclettico e iper mediatico Peter Doherty, per la prima volta in Italia in veste solista, il protagonista del Secret Show di MySpace, l’esclusivo evento musicale organizzato dal social network per avvicinare gli utenti ai loro artisti preferiti, tenutosi giovedì 26 febbraio all’Alcatraz di Milano.

L’irriverente e (a tratti, dipende dalla sobrietà) geniale artista inglese leader dei defunti Libertines, rinati artisticamente nel progetto Babyshambles, ha presentato “Grace/Wastelands”, album solista di debutto registrato a Londra e prodotto dal leggendario Stephen Street (The Smiths, Blur) in anteprima assoluta per l’Italia.

Pete, per gli amici Pietro lo Sporco (imbarazzante la somiglianza di pronuncia con il termine inglese dirty) entra in scena vestito elegante, con cappello e completo inglese. Un microfono, una Gibson acustica e un amplificatore della Vox, il resto è musica. Perchè Pete ci regala oltre un’ora di musica really unplugged, solo chitarra e voce, con i brani del nuovo album in uscita il 13 Marzo per EMI Music – tra cui il primo singolo estratto “Last of The English Roses” in radio dal 13 Febbraio.

I nuovi pezzi sono veramente belli. Portano in seno quella musicalità caratteristica dei lavori di Doherty, un ragazzo che, nonostante tutto quello che combina nella vita privata, ha talento da vendere.

Musicalità cantautoriale, questa volta detto in chiave positiva, perchè bisogna dire che il ragazzo con la chitarra ci sa proprio fare. Non è mai semplice tenere un pubblico esigente come quello italiano incollato alle scene, ma lui, forse meno fatto del solito, sorride, sbaglia, ma si riprende subito, con una voce veramente curata e senza indugi, (quasi) mai.

E dire che non sapevo proprio cosa aspettarmi da un concerto del genere. Chiaccherando prima dello show, incontro gente che mi dice cose assurde sul suo conto. “Hai visto il video su Youtube in cui gioca con dei criceti fatto di ero con Amy Winehouse?”. Oppure “Ogni volta che vado ad un suo concerto, pago il biglietto e o non si presenta, o suona di merda. Per la legge della statistica, vedrai che stasera ad un concerto gratis suona da dio”

Dopo il gruppo spalla (di cui parleremo in chiusura) in effetti la tensione sale. Sono le 22:30. Un fonico si presenta sul palco con una bottiglia di vodka e riempie tre bicchieroni mischiandola con succo di frutta. Li lascia vicino all’ampli.

“Siamo alla frutta”, penso.

Entra il beniamino, e dietro di me sento donne che urlano “quanto sei figo“, oppure “è troppo english“. Molti gli emuli dell’abbigliamento dell’inglese, a dire il vero formalmente ridicoli. T-shirt a righe orizzontali, preferibilmente rosse e nere, jeans neri stretti, occhialoni da sole. I classici elementi che incontri ai vari concerti dei Franz Ferdinand, Bloc Party, Blur. Ne avrò contati venti. Della serie: ragazzi, siamo a Milano, non a Londra, riprendetevi. Il problema non è il vestirsi brit, il fatto è vestirsi tutti egualmente brit. Stereotipi. Ma la scena in Italia fa questo effetto. Pazienza.

Primo passo in avanti: Pete si regge in piedi. E ne siamo tutti felici.

Dopo la visione di vari video, notiziari tv e foto scandalo sui tabloid, questo è un piccolo grande miracolo. Certo, il volto è scavato, ma vestito com’è, in completo nero e cappellone, appare quasi accettabile per un pranzo in famiglia. Dicevo prima, la voce c’è, la mano c’è, la testa pure. Il delirio scatta con i classici: “Time for Heroes” e “Fuck forever“, veri capisaldi del suo stile, e canzoni realmente degne di molteplici passaggi radiofonici. La gente si infiamma, lui perde i plettri in continuazione (una serie di cinque, posati sull’asta del microfono, fatta fuori in due canzoni), ride, suona ma non strimplella, ammicca al pubblico ma con contenimento inglese. Non introduce mai i brani, è spesso silenzioso negli intermezzi.

Un Pete che non mi aspettavo.

L’unica volta che cerca interazione col pubblico, andando a salutare l’ala est del locale, inciampa nel cavo del mic facendolo cadere, ma questa volta pare sia stata una semplice, sfortunata, coincidenza. Sono lontani i tempi delle siringhe, del sangue, del rock’n'roll. Questa volta Pete piace anche senza eccessi.

Un sorriso per te, Pete. Bravo.

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“Questa volta la scelta di MySpace per rappresentare la musica italiana è ricaduta sul duo pop Il Genio, famoso ormai per l’irresistibile e sensuale tormentone “Pop-porno” e formato dall’ispirata e intrigante Alessandra Contini e dall’eclettico Gianluca De Rubertis”

Questo dice il comunicato stampa, omettendo alcune imparziali suggestioni. Punto uno: non sono un duo. Premetto di non essere uno che critica spesso le band, anzi, da musicista non di primo pelo, sostengo la musica in ogni sua forma e ammiro chi si sbatte per mettere in note e accordi la propria esistenza.

Non so proprio da dove iniziare.

Forse dal sound, molto curato, ma eccessivamente soporifero. A prescindere dal fatto che “Pop Porno“, possiamo dirlo, ha rotto i coglioni. Bene, provate a sorbirvi quaranta minuti di canzoni identiche, senza accenti nè digressioni, prive di dinamica, di estro, lentamente eseguite da degli antipatici musicisti. Perchè all’umiltà della cantante bassista Alessandra Contini si deve, per forza di cose, aggiungere l’arroganza, forse addirittura ignoranza scenica del tastierista Gianluca De Rubertis. Toglietegli il microfono, vi prego. E’ inconcepibile dire a inizio concerto “facciamo cagare” e intermezzare tutti i brani con “andate a cagare” e “siamo un gruppo di merde“.

E’ veramente troppo.

Siamo d’accordo, il pubblico è lì per Doherty, ma l’educazione nei confronti della gente che ti ascolta è sempre d’obbligo. Il risultato sono una marea di insulti reciproci, provocazioni, irregolarità. Il tutto tra una canzone e l’altra che ricordano Donatella Rettore, ma molto peggio.

E quando viene annunciato l’ultimo pezzo, l’Alcatraz esulta nel primo scrosciante applauso della serata.

Emanuele Barboni

Galleria foto: Doherty

Galleria foto: Il Genio

Dopo l’uscita del nuovo album “Agony and Irony” per Epic Records prodotto da Josh Abraham, gli Alkaline Trio approdano sul palco dello storico (e, ahimè, prossimo alla chiusura definitiva nel mese di luglio) Rolling Stone di Milano, per oltre un’ora di punk rock tirato e melodico.

Il gruppo di Chicago atterra il 29 gennaio con un nuova produzione alle spalle (luglio 2008), che personalmente non ho avuto il tempo di ascoltare con attenzione, ma che indubbiamente ricalca lo stile particolare della band, soprattutto in funzione dell’inconfondibile voce di Matt Skiba e dalle metriche scritte in coppia con il bassista Dan Adriano: mistiche, irriverenti, simboliche, oscure (ricordiamo che Skiba è membro della “Church of Satan“, loggia religiosa che ha le proprie radici proprio negli States). Amore, alcolismo, depressione, fuoco, droghe, blasfemia, morte. Questi sono i temi principali dei primi 5 album degli Alkaline Trio. Con il nuovo disco l’eclettico cantante/chitarrista Matt Skiba, il cantante/bassista Dan Andriano e il batterista Derek Grant dicono di aver trovato la luce in fondo al tunnel, e ritornano per l’occasione al punk degli esordi con un occhio strizzato verso la new wave anni ’80.

Scaletta rodata da mesi di tour, leggo su internet, ed inizio col botto: Private Eye, uno dei pezzi più energici, rappresentativi e famosi della band. Il pubblico, sinceramente non numeroso quanto ci si sarebbe aspettati, inizia a scaldarsi solo dopo qualche brano, con il classico pogo e il body surfing che termina inevitabilmente tra le braccia della sicurezza, talvolta seccata e non disponibile al riso.

Tanti giovani tra le prime file, tra i quali mi pare di aver scorto il frontman dei Dari, band pseudo-pop-punk italiana, a dire il vero non troppo coinvolto dalla musica del trio (sino all’esibizione di pezzi di sua conoscenza), ma anche tanti trentenni reduci e amanti dell’ondata punk anni ’90, sulla quale sarebbe il caso di scrivere due righe, visto l’intensa attività musicale sviluppata soprattutto negli States.

A dire il vero, essendo questo il primo concerto degli Alk3 al quale assistevo, mi sono chiesto se erano in grado realmente di sostenere e arrangiare brani per il live in assenza di una seconda chitarra o di una tastiera pre-registrata. Su lp sono grandiosi, ma questo è il grande cruccio dei trio, Blink 182 docet: grandi sovra-incisioni in studio, pessime figure dal vivo, con la ovvia carenza di potenza e vuoti melodici insostenibili per l’orecchio abituato al disco.

E invece no: il trio si è prodigato in deliziosi arrangiamenti che non hanno fatto sentire nemmeno un istante la mancanza di un quarto strumento che facesse da accompagnamento. Dan Adriano, cantante e bassista della band, ha tirato dritto (a dire il vero, il volume del suo strumento era, per forza di cose, mostruosamente alto), Skiba accompagnava con delicatezza senza prodigarsi in eccessivi soli, mentre Grant ai tamburi assicurava riempimento tonale e una base ritmica potente. Unico cruccio, l’effettistica della pedaliera di Skiba, che pare in panne ad ogni cambio di suono. Ma questa è e rimane un’impressione.

E che dire sulla voce? Su Youtube avevo recentemente visto dei clip da far rizzare i capelli. Uno Skiba fuori tono, se non proprio stonato, insomma. Durante questa data italiana, l’unica del tour, le due voci si sono dimostrate lineari e assolutamente concrete. Niente male.

Ma cosa rimarrà di questo concerto? Forse dagli Alkaline trio ci saremmo aspettati una scenografia più di impatto, effetti scenici e sangue in capsule. In realtà in questa occasione è stato dato merito alla musica (ragazzi, non continuate a ripetermi che il Rolling Stone ha un’acustica pessima, perchè non è vero) più che alla scenografia, davvero minimale. Un Matt Skiba che entra in scena con Ray Ban neri e giacca di pelle nera certo non ce lo aspettavamo, ed è forse stata una scelta un po’ azzardata, ma si tratta solo di abbigliamento e gusti personali. Una band simpatica e gioviale, al di là delle aspettative, che per tutto il concerto ha cercato il coinvolgimento del pubblico anche tra un pezzo e l’altro.

Di questo concerto rimarrà nel cuore dei fan Sadie, davvero strappalacrime ed eseguita alla perfezione (a parte un coretto finale di Skiba fuori programma, che poteva anche evitare), Time to waste, I was a Prayer cantata dal bassista Dan, Stupid Kid (che Skiba ironicamente dedica a sé stesso), e un emozionante fine concerto sulle note di Radio.

Prima di loro, ad aprire le danze un altro trio from Oregon, United States: Broadway Calls, che con il loro punk-rock melodico in stile Greenday hanno scaldato il pubblico in attesa degli headliner. Una vera sorpresa, questi ragazzi.

Dateci un ascolto.

Articolo e foto di Emanuele Barboni

Galleria fotografica esibizione Alkaline Trio: http://www.flickr.com/photos/emanuelebarboni/sets/72157613153067948/

Galleria fotografica esibizione Broadway Calls: http://www.flickr.com/photos/emanuelebarboni/sets/72157613152693710/



Da piccolo non mi raccontavano le favole. Non so perchè, ma non mi ricordo nemmeno di una favola prima dei dieci anni. La prima è stata Pinocchio del Collodi, che ci fece leggere una maestra alle elementari per poi riassumerla. Io non sapevo fare i riassunti e la copiai paro paro dal libro. Ci misi una notte intera, perchè non sapevo concettualmente cosa fosse un riassunto. Per la cronaca, il compito andò bene ma ci impiegai qualche altro anno a comprendere il significato della parola “riassunto”. Poi arrivò Propp e fu un colpo al cuore. Ero al primo anno di università, penso. Ma come, le favole hanno anche delle regole? Lo step due fu lo studio delle presunte insinuazioni sessuali nella favola di Cappuccetto Rosso. Pensa te. Niente favole da bambino, e quando arrivano da grande, mi dicono che sono tutte regolate da delle costanti e che il sesso è insito in ogni racconto. Mah. Perlomeno avevo studiato Freud, e non fu poi così scioccante.

Penso che la fanciullezza, o almeno come la intende il Pascoli, sia il motore della fantasia. E che la fantasia sia il motore del genio. Lasciateli sognare, rompere, creare i vostri piccoli. Perchè tornare in fondo bambini significa essere diventati adulti. Dei buoni adulti. Io purtroppo di tempo per sognare ne ho avuto proprio poco. Avevo circa dieci anni e il mio mondo ovattato è stato letteralmente spazzato via dalla separazione dei miei genitori. Certo, cose che capitano. Già ero un bambino problematico, timido, sensibile, allergico e asmatico. Da quel momento non ho avuto più né tempo né voglia di fare voli pindarici con la mente, di sviluppare la mia naturale fanciullezza di ragazzino. Diciamo che qualcosa dentro di me si è rotto, sono stato proiettato nel mondo dei grandi tutto d’un colpo.

Si diventa grandi nel momento in cui si perde l’innocenza. Io forse l’ho persa con quei sei sette anni di anticipo rispetto alla tabella di marcia. Ma non ne faccio un dramma. Certo che se diventare grandi significa assumersi delle responsabilità, ecco, io me le son prese dai dieci anni in poi. La mia psiche ne risente ancora oggi. Dicono che mi responsabilizzo troppo, e che fa male. Ma per me è una cosa naturale, da tanti anni.

E’ per questo che la gente soffre di attacchi d’ansia e similari. Perchè si responsabilizza troppo. Nel lavoro, nello studio, nelle aspettative di vita. Anche io l’ho fatto, non sapendo quello che mi stava accadendo. L’ho scoperto appena in tempo, navigando nel mio passato come un viaggiatore senza meta, cercando i punti di rottura, le parole chiave che mi permettessero una sana catarsi. I sintomi sono odiosi e ti mettono nella condizione di cercare la chiave alle tue insicurezze.

Fondamentalmente, sto dicendo che chiunque avrebbe bisogno di un buon psicologo se non ha avuto un’infanzia come si deve.

Il risultato di questa rottura, della seguente responsabilizzazione post separazione, e della matura ricerca di una soluzione ai sintomi di ansia che mi affliggevano è che non ho avuto una fanciullezza degna di questo nome. Mi ritrovo a ventisei anni a dover necessariamente sublimare questa dose inespressa di giocosa gioia mista a esternazioni infantili. E’ come se, prima di diventare grandi, ognuno di noi abbia una certa dose di fanciullezza e fantasia da esprimere. Una volta terminata questa dose, il nostro corpo e la nostra mente vengono messi in condizione di approcciarsi all’età adulta. Il mio diventare grande, vista la particolarità della situazione, è stato un processo più lungo della norma. Mi accorgo ancora oggi di essere infantile in molti momenti della giornata. E forse è proprio questa la mia particolarità. Mi esprimo tante volte con un linguaggio infantile, creo situazioni infantili, faccio giochi infantili. Ma per piacere, non fermatemi. Perchè vi ho già detto che di tempo per sublimare il mio essere bambino non ne ho avuto, e il processo di smaltimento deve ancora terminare. Sento che siamo lì, a un passo dalla meta. Spero di riuscire a fermarmi un secondo prima di avere per sempre perduto la facoltà di vedere il mondo con gli occhi di un bambino.

Credo che quando uno nasce il valore dell’innocenza è pari a, diciamo un numero, cento. Poi seguono mille prime volte: dal primo bagno in piscina senza braccioli alla prima cotta alle medie. Il valore di innocenza scala verso lo zero ogniqualvolta si fa una cosa la prima volta. E’ per questo che i grandi non sono felici. Perchè non hanno più l’entusiasmo delle prime volte. Il tutto diventa consuetudine, una ricerca costante della regolarità. In aggiunta, bisogna aggiungere un altro valore al percorso che porta dall’innocenza (dei piccoli) alla competenza (dei grandi): le delusioni. Ogni delusione toglie qualche decimo di punto alla nostra innocenza, portandola inesorabilmente verso l’annullamento in quanto a ogni delusione corrisponde una mancata realizzazione di un’aspettativa infantile. Se vieni deluso dal tuo primo grande amore, da colei per cui ascoltavi musica romantica e scrivevi su carta rosa con una goccia di profumo di tuo padre, capirai che l’amore non è solo inebriamento e batticuore, bensì dolore e rammarico. E l’idea che avevi del termine amore verrà indurita dall’aspra sensazione che questa delusione ti ha dato. Un po’ come il sesso. Uno si immagina chissà cosa, poi lo fa la prima volta e si, sarà anche bello, ma non era proprio come lo avevo sognato. Eppure, dopo averlo fatto cento volte, si pensa a quanto sia stata incredibile quella prima volta.

Da aggiungere ci sono le responsabilità e le cose che ci fanno paura. Fondamentalmente, per riassumere, trattasi del mondo dei grandi. Capire quello che accade nel mondo, carpire il significato di termini come guerra, morte, odio, dolore, ci indirizza ad una cruda consapevolezza del mondo che ci circonda. Si è sempre meno bambini per il semplice fatto che quando si è bambini certe cose non si pensano perchè non le si conoscono. La conoscenza riduce la fanciullezza. Prima o poi arriva il giorno in cui vedi il primo telegiornale. Lo inizi a guardare tutti i giorni, con i tuoi genitori a tavola, e pian piano inizi a capire che il mondo non è solo disegnare, correre per i prati, fare una partita a pallone. Capisci che là fuori c’è un casino, che le cose non vanno proprio come dovrebbero andare, e questo ti ferisce. Non hai più quell’innocenza di un mondo senza delusioni, senza paure, senza responsabilità. Allora forse diventare grandi significa avere un cuore di pietra, saper reggere alle delusioni, sopportare il peso delle responsabilità e non fare nulla che non si sia già fatto almeno una volta.

Ma per piacere, lasciatemi credere che il piccolo Emanuele che ero abita ancora dentro di me. Perchè nonostante abbia un lavoro, delle responsabilità, e nonostante abbia già fatto un milione di cose per la prima volta, amo vedere il mondo dagli occhi del piccolo Emanuele. La situazione è particolare, ripeto. Ma questo mi ha permesso di capire si, che ciò che mi circonda è una fucina di delusione, di asprezza, di malignità. Ma ho ancora qualche piccola dose di fanciullezza, e l’innocenza che non ho potuto esprimere a tempo debito non la voglio certo mettere in un cassetto. Trovo che l’amare il colore di un fiore, la freschezza della natura, che dipingere con dei pastelli a olio su un foglio di carta e accarezzare la corteccia di un albero siano cose straordinarie, che mi danno delle emozioni incredibili. L’esperienza non è data da quello che vivi, ma da come lo vivi.

Animi sensibili come il mio capiranno appieno queste parole. Perchè in fondo diventare adulti è una cosa che tocca a tutti, prima o poi. Ma nessuno ha certo deciso di propria iniziativa di diventare grande. E’ il mondo che ci circonda che ci obbliga ad assumerci le nostre responsabilità. Pensare fa male, e allora ogni tanto mi abbandono all’osservazione di un cielo stellato, godo del perdermi in macchina con la mia fidanzata, assaggio della neve. Gusto un sorso di birra come fosse la prima volta, e scrivo pensieri senza il filtro della ragione. Mi commuovo a stringere la mano di un neonato e mi inebrio dei colori di un tramonto. Forse dall’esterno il mio risulta essere un atteggiamento immaturo, irresponsabile, infantile. Ma chi tra voi ha già lasciato il passo al mondo della regola, della noia, dell’osservazione razionale della realtà, dovrebbe ricredersi. Noi, sognatori e incredibili immaturi, abbiamo la luce negli occhi, capiamo il valore del sorriso, il sapore acerbo di un’albicocca, il valore reale di una carezza. Perchè il bambino che in noi è radicato, non morirà mai, ed è questo quello che ci rende speciali.

Un uomo è il risultato della propria esperienza, del proprio modo di vedere il mondo, della propria innocenza. Ma ogni giorno mi confronto con persone che non riescono nemmeno lontanamente a comprendere il mio personale punto di vista sulla sensibilità umana. Uomini e donne, o presunti tali, che si soffermano su dettagli superficiali della vita, che hanno perso il piacere di perdersi per poi ritrovarsi. Parlo di tutti coloro che si sono rassegnati a vivere da grandi dimenticando di essere stati piccoli, di coloro che hanno lasciato in disparte la fantasia per vivere ragionevolmente. Non credo che la sensibilità nell’essere adulto sia una prerogativa sociale, psicologica o data dall’ambiente nel quale si è cresciuti. Penso che sia innanzitutto un’attitudine insita nell’essere umano. Chiunque, nel profondo della propria coscienza, è capace di vedere ciò che ci circonda con gli occhi di un bambino. Chiunque è in grado di perdersi, perchè la fantasia è una dote innata dell’essere umano, innascitura e imperitura. Si tratta di mettere da parte l’orgoglio e di farla tornare a galla. Dimenticare ciò che ci ha reso cotanto duri e insensibili per ritrovare la fragilità di chi per la prima volta vede la neve scendere dal cielo. Non credo che l’innocenza e la vita reale dei grandi non possano coesistere.

E’ condizione necessaria del vivere sensibile la coesistenza della ragione e della fantasia, il cui risultato è sempre imprevedibile, sorprendente e straordinario.

Emanuele Barboni – 2008 – Tutti i diritti riservati